Dale Chihuly 的「玻璃」為何成為當代藝術?

作品 Persian Ceiling 玻璃裝置,塑造夢幻仙境。玻璃大師 Dale Chihuly以西雅圖為基地。頭髪少許蓬鬆的玻璃大師 Dale Chihuly (b.1941,美國西雅圖) 「獨眼龍」型象突出,原來自1976年車禍傷了左眼,便戴上黑眼罩,至今七十多歲,在工作室穿梭,指揮若定,聲如洪鐘。Chihuly現於加拿大多倫多著名的ROM (Royal Ontario Museum)作展。是的,玻璃工藝登堂入室,以「當代藝術」進駐北美頂級美術館,然亦無需大驚小怪,因Chihuly 早享盛名,他是美國六十年代”Studio Glass Movement”的始祖,意指藝術家以個人喜好創作,人手抒情寄意「吹製」玻璃,與大量生產的玻璃工場截然不同。Putto/Putti -即文藝復興時期的裸童像,細意觀賞便找到。「CHIHULY」展覽  眾人忘我近月身在多倫多看到「CHIHULY」展,對現場觀眾的投入及讚美,體會至深。作品 Persian Ceiling (中譯:波斯式天花)可說是眾多作品中的亮點。此室內裝置,範圍祗約三百呎,天花部分蓋滿了數以百計獨立且晶瑩通透的玻璃飾物,原是眾多作品之集大成,混含著狀似貝殻紋的Seaform 系列、文藝復興式樣的裸童Putti 公仔,湛藍、琥珀、青檸、香橙等多種色彩交匯,令人如置身仙境,不期然心醉神迷。有淑女打扮的西洋婆婆盛裝而來,瞥見邱比特的玻璃公仔時,興奮地喊「Putti、Putti」,猶如重拾少女情懷。眾人凝神仰望,禁不住舉起手機忘我自拍。Laguna Torcello (2012)是Chihuly 著名的Mille Fiori 系列之一,意即千朶鮮花。Red Reeds on Rogs (2016) 玻璃仿蘆葦拉長至近3米高,效果奇特。「色彩」與「晒士」同矚目把大自然裡的碎沙,高溫加熱而燒成玻璃,可說是人類歷史文明的傳奇。三千五百年前的古文明人類已開始製造玻璃,「吹製玻璃」(Glass-Blowing) 則約於公元前一世紀被發明。位於意大利威尼斯Murano不少玻璃工場,在20世紀初擁有最佳技術,勇於冒險的Chihuly正是60年代遠赴Murano學習玻璃工藝的極少數。將工藝提升至雕塑,再將雕塑演變為大型裝置(Installation),塑造包圍式懾人心靈的效果,相信是Chihuly作品被升格的原因。波士頓MFA美術館大堂中的Lime Green Icicle Tower (2011),由二千多支玻璃組成,高40呎,重達萬磅。Chihuly 不時強調作品的「隨機性」,吹製時的呼吸氣度、身體重心之轉移、地心吸力等都影響成品,換言之,心神不一樣,每件作品都獨一無二。紐約MET (大都會博物館) 前總監Thomas Hoving 更認為Chihuly 的玻璃藝術,表面 ephemeral 虛無短暫,實則堅實長存,身處其中,令人忘我忘憂,看後心懷喜悅,如說 Donald Judd 及 Richard Serra 之作品能表現藝術理性的一面,Chihuly不但可與他們媲美,更還多了視覺享受的感性一面。據說藝術家Jeff Koons 也是 Chihuly 知音,Koons色彩豔麗的大型充氣公仔雕塑,與Chihuly 的幻彩破璃,同具搶眼效果;另外兩人均僱用大量助手團隊,經營有道,足見藝術市場確有需求。倫敦Victoria & Albert Museum 之大堂吊燈,乃Dale Chihuly 作品。Photo Courtesy of Victoria and Albert Museum, London雅俗共賞   無需深意Dale Chihuly 的玻璃裝置不僅被博物館所收藏,更成了豪華酒店或星級賭場裡的大堂裝飾, 拉斯維加斯的 Bellagio Hotel 便是其一,豪客消費之餘,可一睹天花頂瑰麗的玻璃風采。Chihuly亦是日本玻璃美術館的常客,其Ikebana (日本花道)為題的系列,於富山玻璃美術館展出 「Glass Art Garden: The Chihuly Experience」(2015) 大獲好評,在日本知名度頗高。自2001年,Chihuly 開始將玻璃作品,與戶外山水庭園結合,西雅圖市中心的Chihuly Garden and Glass,可說是代表作。 拉斯維加斯Bellagio Hotel 作品名為 Fiori di Como 。玻璃面績達二千平方呎,重約四萬磅。Photo Courtesy of Mark JohnsonDale Chihuly 的玻璃裝置受歡迎,不在於蘊含何種深意、符號或隱喻,相反簡簡單單,傳統的和諧與平衡之美,似乎已令觀者受落,大抵現世代,全球不少地區充滿戰爭、暴力與恐襲,一個安安靜靜的忘憂視覺旅程,足矣!在香港周圍,可往那裡去看Chihuly 的作品?到澳門美高梅(MGM Macau), 名為 Fiori di Paradiso Ceiling 的玻璃天花裝飾,試試會否令你心醉神迷。註:1)加拿大多倫多Royal Ontario Museum「CHIHULY」展覽日期:2016年6月25日至2017年1月2日, 請看觀展短片。2) Chihuly Putti- making video on Vimeo: https://vimeo.com/101099963(圖片由作者提供)原文載於作者網誌 藝術

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曹斐(CAO FEI) 奇蹟在紐約MoMA P.S.1重現

時光倒流回到2007年,知名策展人侯瀚如邀請了四位女性藝術家,參與第52屆威尼斯雙年展中國館之「日常奇蹟」(Everyday Miracles),會料到當中之一、年紀最輕的曹斐(CAO FEI) ,會在今天紐約的MoMA P.S.1舉行個展嗎?也許他亦有先見,早於1999年已把曹斐作品帶到西班牙展出。紐約地鐵站曹斐展廣告。P.S.1 代表皇后區第一所Public School。CAO FEI 展覽現場《我 · 鏡》化身”China Tracy”2007年的《我 · 鏡》,曹斐在虛擬網游Second Life ( SL ) 中化名 “China Tracy”,放下現實真身,戴上Avatar 面具,沈醉於虛擬世界,與看似英俊瀟灑的Hug Yue 邂逅,並有以下這麼一段:China Tracy: Forget your pain?(你是來忘卻痛苦?)Hug Yue: I suppose SL is a drug (SL如藥物會上癮)兩人編編起舞,共譜浪漫樂章,然而後來 Hug Yue 老實說出自己是個64歲的老頭;現實鬱悶,虛擬世界也有失望與悲戚,望著鏡子的China Tracy,察覺虛擬與真實的界線愈見模糊。假作真時真亦假的網絡情懷,近此十年來引起了跨時代、跨地域的共鳴。正因如此,我視曹斐為一位擁全球視野、多於反映中國本土變遷的藝術家,相信也是一個演變過程。《我 鏡》放映現場。MoMA P.S.1 是里程碑紐約MoMA P.S.1是殿堂級的國際藝術空間,由校舍改建,2000年正式成為 MoMA (紐約現代藝術博物館)支部,以實驗性、前瞻性見稱,與社區關係也更密切。負責「CAO FEI」展覽(3/4 – 31/8/2016)是著名策展人Klus Biensenbach (曾策展Marina Abramovic大展”The Artist is Present”),他說搞曹斐展要讓紐約人知道,在北京有如此緊貼時代潮流的藝術家(“It is important for a New York audience to find out that you can find someone as cutting-edge in Beijing as you can here.”)。對,是指紐約人要開開眼界。曹斐(b.1978)是廣州人,小時也看歡樂今宵及周星馳,少年時又看日本動漫,早期受賈樟柯的寫實手法影響,後來更愛 Frederico Fellini (費里尼)、瑞典鬼才導演 Roy Anderson ,擅長將夢想與現實交織,逐漸脫離寫實風格,集荒誕詭異佻皮於一身。「CAO FEI」 展覽以錄像放映為主,《La Town》 (2014) 為重點推介,觀片前必需穿過La Town模型區域;另外放映的四部片子,除了前文提及的《我 · 鏡》外,還有《霾》(Haze and Fog, 2013)、《誰的烏托邦》(Whose Utopia, 2006)及《角色》(Cosplayers, 2004);最後「冬甩」圍圈式區域則分別播放七套1995至2003年的早期作品。《La Town》放映中。《La Town》小城劫後餘生片長四十多分鐘的《La Town》 (2014)呈現一個沒有白天的漆黑小城,時空模糊,timeline不明確,既像末日之前,也像啓示未來。獨特之處是並非由真人演出,而是透過現成的超小1:87微型模型,再操控燈光、角度、音效、近鏡、變焦、煙霧等拍攝技巧,塑造場次及迷離效果。地標符號一幕接一幕:德國紐倫堡噴泉 (Nuremburg Fountain) 、招牌被撼落的麥記快餐店、德國超市被搶購一空,表面放映”Gone With the Wind” 的電影院卻演出鋼管舞,連連不祥徵兆:出軌火車引致聖誕老人鹿車濺血、墮毀客機見國航標誌,巨型海洋生物遭酷劫,人們如常過日子,以激烈性愛打發時間,寄情夜間美術館尋解脫;片中夾集一對男女閒聊,各自堅持自己的記憶,原來是借用了1959年法國電影「廣島之戀」(Hiroshima Mon Amour,由Alain Resnais導演) 的戀人對白,暗喻總是看不出現實與未來的真相。從網購得來的超小模型並加工、借用電影對白,以「挪用」(Appropriation)手法,「即興」批判時局,創造警世的「末日寓言」(post apocalyptic) 可説是曹斐創作上的新嘗試,足顯藝術家的大抱負。《La Town》模型《La Town》模型有說經典藝術作品需有時代性,才能跳出時代活下去。或許此刻我們的時代正危機四伏,地球能源被大量虛耗,是時候需作改變。《Whose Utopia》我的未來不是夢曹斐作品游走於虛擬與真實,寫實手法中又出現疑幻似真,插入放縱荒誕的夢境場面,透視對理想境地「烏托邦」的追求。進出不同房間,時可體會作品精神的連貫性。《角色》鏡頭下穿上日本動漫服飾的廣州青年,企圖扮演他身擺脫對現實的不滿,不正如《我 · 鏡》反映的虛擬世界,誰也在隠藏真身?另一作品《霾》(Haze and Fog) (2013) 取自北京的生活體驗,霧霾深鎖下生活如喪屍,而《La Town》呈現的黑夜,延續著對末日降臨的恐懼;《誰的烏托邦》(Whose Utopia 2006) 播出的則是20分鐘的加長版,血汗工廠编編起舞的民工錄像,一張張木納面孔定鏡,背後的廠房機器還在滾動,影像記憶猶新,在此不多談了。《角色》現場放映室放置豆袋,看得舒適。《誰的烏托邦》一幕:我的未來不是夢。回顧早期作品: 1995 – 2003曹斐創作早期作品時,互聯網還未算普及,全球化影響尚不明顯,於廣州美術學院讀大學時作品《失調257》(1999)反映九十年代輕狂浮躁的大學生活,風格寫實媚俗,將「無厘頭」流行文化、卡拉ok音樂共冶一爐,當中「踎廁」一幕,女生把「M巾」散落一地尤為經典;《The little Spark》(1995)集諧趣胡鬧的舞台節目,曹斐也參與演出,可說難得一見 ;隨後也可看到曹斐風格正慢慢轉變,《鏈》(2000)受了英國YBAs(Young British Artists) 的衝擊,出現了狂想式的血淋淋場境,懷胎女子竟生出了一頭豬。「冬甩」式圓枱展出七套早期作品,陳設如資料室。過去曹斐作品曾於MoMA PSI放映,但搜羅亮點、兼回顧早期錄像的個展屬首次,吸引不少東西方眼球。觀眾疑問還是不少:「她可有自我審查(self-censorship)?」「把網絡遊戲電腦畫面capture 剪輯算藝術嗎?What is art 藝術定義如何…」這些問題不易短答。然而,這批七十後及文革後出生的新一輩藝術家,在網絡世代探索全球化議題,好戲將陸續在國際藝術空間上演。曹斐網址:http://www.caofei.com/原文載於作者網誌 藝術 展覽

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Simon Denny 將「駭客」思潮 引進當代藝術

Hack Space 展覽現場不久之前我們如聽到「駭客」入侵,便仿如世界末日,聞之色變。今天以「駭」制「駭」又覺正義凛然:就像「斯諾登」公開英美政府原來長期監控群眾,頓成了英雄;另外近日國際組織 「駭」了巴拿馬文件,公開300萬份富豪政要的財富資料檔案,引發政要被逼落台或解畫,公眾無不報以掌聲。將「駭客」思潮 (Hacker Ethos)引進當代藝術,並因而鋒芒畢露的,正是近日K11 Art Foundation (KAF)「Hack Space」展覽中的主打藝術家 Simon Denny(33歲)。這位現居柏林的新西蘭藝術家,在56屆威尼斯雙年展(2015年) 代表國家參展,以重塑手法繪畫「斯諾登」公開的 NSA (美國國家安全局) 幻燈片,一座座伺服器架進駐覆蓋文藝復興天花壁畫的聖馬可圖書館 (Marciana Library) ,引為佳話,算是抓緊機會上位的成功例子。Simon Denny 於2015年威尼斯雙年展代表新西蘭館作品 Secret Power「駭客」思潮,成創意源頭Simon Denny 說 “Hack”一字,最早是 美國波士頓MIT大學於1946年創立的學生研習組織所提出的佻皮用語。他亦認為敢於說不,挑戰現存框架,提出非傳統的問題及解決方案,是「駭客」精神的內核 (Asking unconventional questions, provide unconventional solutions to the problem… able to say NO and question a system that works)。為籌備香港展,Simon 又與資深策展人Hans Ulrich Obrist ,以及Amira Gad 一同走訪藝術家北京的工作室,擷集合適作品,驚覺「駭客」精神,原來早已植根中國。同樣地實事求是、靈活變通,「駭客」精神與先斬後奏、為解決難題、迎難而上的「山寨」文化不謀而合。今次的「Hack Space」香港展作品,主打作品除了Simon Denny早前在倫敦的展品,還有11位中國80後藝術家的各類媒體創作。80後中國藝術家展現創意Simon Denny 熱衷拆解「駭客」思潮下私人企業(蘋果、Zappos網上鞋店)及政府機關 GCHQ ( 英國中央情報局)採用的管理模式,並以大型裝置及圖解展示,是頗為思考性及邏輯性的作品,與一群中國藝術家描繪城市生活變遷,產生了衝擊性的微妙的效應。例如Simon 伺服器架內的螺旋形火車軌,巧合地與梁碩《買後母#1》(英文:My Homeland No.1)(2012) 的人造盆景裡的火車構成視覺上的對話。Simon Denny 的 《Modded Server Rack Display; Adapting Hacking》2015梁碩《買後母#1》2012獨立去看,作品也各自各精彩。影像作品中曹斐的《Rumba II: Nomad》(2015)短片 以「電動吸塵機」遊牧於北京四環拆遷新區,活現城市中持續的摧毀與更新,兼融揮洒自如的創作幽默與浪漫;而陶輝的《一個人物與七段素材》(2016) 則創造出視覺與聽覺分離的領域,帶領觀者自我拼湊城鎮及人際關係中的各式景觀。曹斐《Rumba II: Nomad》2015陶輝《一個人物與七段素材》2016引人注目的藝術家作品還有徐文愷(aaajiao) 的《窮人採礦 I 》(2011) 及 李燎《消費 》(2012) ,前者調侃比特幣(Bitcon) 的不穩定性,後者則透過加入深圳富士康生產線45天,賺取買得起一部16GB iPad Mini的酬勞之後離職, 以行為藝術模式反思勞工與消費背後隱藏的焦慮及不安。徐文愷《窮人採礦 I》2011李燎《消費》2012香港的當代藝術正經歷轉變。K11與倫敦Serpentine Sackler Gallery 的合作,引進更多國際級藝術家及策展人來港。隨著香港展的結束,同一概念的Hack Space 亦將登陸其他中國城市,快速將「駭客」思潮擴展,對中國的「山寨」文化創意帶來更有力的推動。展覽:Hack Space(K11 Art Foundation 及the Serpentine Galleries合辦)地點:上環中遠大廈地下K11 Art Foundation 臨時展覽空間日期:至 24/4/2016 藝術 展覽

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勞森伯格 (Robert Rauschenberg) 與中國之緣

勞森伯格1985年在ROCI之旅訪問西藏。Photo by Thomas Buehler @Robert Rauschenberg Foundation中國美術館吸引30萬觀眾今明年全球各地,將都陸續刮起了美國現代藝術大師勞森伯格(Robert Rauschenberg1925-2008)熱潮,他在北京的回顧展尤其矚目,皆因他30年前到訪影響深遠。位於798藝術區的尤倫斯當代藝術中心(UCCA) 將舉行為期兩個半月的「勞森伯格在中國」展覽 (6月12日至8月21日),為那一代的藝術家燃點起更多昔年回憶。勞森伯格1958年攝於畫作前。Photo by Jasper Johns @Robert Rauschenberg Foundation1985年《勞森伯格作品國際巡迴展》場刊封面據說經過六年籌備,1985年51歲的勞森伯格以自費和私人文化交流形式到訪北京及拉蕯,11月18日於中國美術館的《勞森伯格作品國際巡迴展》為期22天,轟動了整個藝壇。我曾看過當年展覽圖冊的作品目錄,共47件集成了油彩、照片、布料、動物標本的拼貼,全都是創作巔峰時期的經典作品,當年文化封閉,藝術家和美術學生只能靠傳閱畫冊中細小模糊的圖片看作品,如久旱逢甘露,展覽吸引了全國藝術家紛紛風湧前來觀摩,難怪入場人次共計超逾30萬。據說一位浙江美術學院的老師,把整班準畢業生從杭州帶到北京看展,逗留整整一個月研習大師作品。有藝術家談及當年看過了這展覽後,衝擊太大,也有不想再繪畫了,慨嘆怎樣畫也比不上這位大師。(註)當然,更多積極的藝術家深受影響,如黃永砅的小轉盤概念性作品、張培力的達達主義手套繪畫、顧雄的默劇行為表演…《七個字之個人》1982@Robert Rauschenberg Foundation1982年訪安徽尋宣紙勞森伯格早於1982年到訪安徽省以宣紙著名的涇縣,參觀宣紙廠的手工造紙工藝,可見他對搜索新塑材充滿熱忱,代表作是70套名為《七個字》的宣紙拼貼系列;接觸中國書畫捲軸,也促成了長100呎的照片作品《中國夏天的長廊》Chinese SummerHall (1984)。在選取塑材上,他的油彩幾乎可以塗抹在任何物料、布料或立體物料上,糢糊了雕塑、裝置與繪畫的界線。他亦提倡藝術與生活需緊扣相連,巡迴展中早期作品《姓名縮寫》Monogram (1955-1959) 由羊頭標本、車軚、鞋底、網球、警察圍欄等生活中廢棄的「現成物」(Found Objects) 組成,滲透歷史回憶與個人奇想。《姓名縮寫》1985-1989@Robert Rauschenberg Foundation勞森伯格與中國的接觸,深深體會了文化交流的意義,即使其時很多中國藝術家,並不全然看懂勞森伯格的作品,因為表面看似「無厘頭」,然卻蘊含隱喻, 正如羊隱藏著對性的慾望,另一巡迴展作品《峽谷》Canyon (1959) ,取材自兒子的生活照片,加上飛鷹標本置於油畫拼貼中,隱含希臘神話中眾神之王宙斯,化作老鷹擒走貌美少年加尼米德之故事(Zeus abducting Ganymede)。希臘神話為西方文化骨幹,中國人未必能立即解讀。《峽谷》1959 (Museum of Modern Art)@Robert Rauschenberg Foundation論及藝術成就,勞森伯格可說畢生都在創新及實驗。在1954年,他便開始構思這些揉合生活體驗痕跡的 “Combines” (1954-1965) 集成作品。1948年到訪以繪畫著名的黑山學院(Black Mountain College),師隨德國Bauhaus 學派的 Josef Albers,又與John Cage 等為友,對於紐約畫派 New York School 純粹情感宣洩及即興的抽象表現主義(Abstract Expressionism) 提出質疑。1964年勞森伯格取得威尼斯雙年展的「大奨」,甚具象徵性,標誌20世紀下半葉的當代藝術基地,已從歐洲巴黎轉移至美國,也為接下來的美國Pop Art 開啓了大門。《Canine E Cane》1987雖說五、六十年代是勞森伯格藝術創作的高峰期,但這位出生於德薩斯州南部的「鄉下仔」經常意念多多,七十年代投入行為藝術及表演,八十年代又欲透過藝術交流,帶出和平訊息,「勞森伯格海外文化交流」(1984-1991),簡稱ROCI 計劃的展覽項目,除了往中國,他還去了委內瑞拉、馬來西亞、墨西哥、智利、日本、古巴、蘇聯和德國等九個國家,觀察當地生活,並以藝術行動體現了社會實踐的信念。《Forged Gift》1979勞森伯格於1990年創立了「Robert Rauschenberg Foundation」個人基金會,為其身故後持續培植藝術家和藝評人,同時管理藝術家珍貴作品。現於中環佩斯畫廊展出之五幅作品,乃70末至90年代初之絲網印刷圖像與油畫集成創作。最早的一件作品是七十年代末期「Slide」系列的《Forged Gift》(1979),混合布料、攝影、印刷等媒介,標誌從表演媒體回歸繪畫的階段性作品;《Canine E Cane》 (1987)屬於1986至93年「發光」系列(Shiner series) 期間作品,以另類方式記錄了ROCI 計劃身處委內瑞拉時的影像,鋁片上左右兩邊分別是絲印的拳師狗及個人半身剪影,上端再加上閃亮鋼片。香港佩斯畫廊「Robert Rauschenberg 勞森伯格」展。Courtesy Pace Hong Kong.隨北京之後、2016年12月英國倫敦Tate Modern 又將展出勞森伯格20年來最大型回顧展,接著又於紐約現代藝術博物館 (MoMA)及三藩市現代藝術博物館 (SFMOMA)分別展出。作為觀眾,興奮期待之餘,可會思索一下:我們對藝術大師的回顧,該不單純在追憶,或為買賣市場締造新價,而在乎為年輕藝術家提供新靈感。註:Thomas J. Berghuis, Performance Art in China, Timezone 8 Hong Kong, 2006, p54&p.88展覽:Robert Rauschenberg 羅伯特勞森伯格地點:Pace Hong Kong 佩斯畫廊香港中環皇后大道中30號娛樂行15樓C日期:21/3 – 12/5/2016原文載於作者網誌 藝術

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Art Basel HK 2016:外地藝術家如何解構香港

泰裔藝術家Rirkrit Tiravanija 以紅油撐黃絲動盪香港,成為不少藝術家關注的焦點,泰裔藝術家Rirkrit Tiravanija 多年前以體驗式作品在紐約畫廊請大家吃咖喱,今年巴塞爾則以《 FREEDOM CANNOT BE SIMULATED》(自由不可假借) 巨幅報紙拼貼作品,震憾全場。他引用波蘭詩人Stanislaw Jerzy Lec的名句,表達對自由民主體制的共嗚,是近年的藝術實踐之一。2014年秋,佔中剛開始,催淚彈和雨傘上了頭條,成就了此作品。他以「南華早報」於2014年9月26至30日的五天日報,拼貼於畫布上,以紅油寫上宣言,造成連為一體的五幅巨幅牆畫,還在作品兩側放置印上宣言的白T恤,堆成小山任拎任取,貫徹走入社區、與觀眾分享的風格。(neugerrienschneider Gallery)Rirkrit Tiravanija《無題2016 (自由是不可假裝,南華早報,2014年9月26-27-28-29-30日)》2016油畫、報紙拼貼、麻布布本(五聯作)L.A.藝術家Joel Kyack 「深水埗」體驗兩星期深水埗是乜東東地方?兩星期以來住在鴨寮街附近的 Joel Kyack來自美國洛杉磯,首次來港被安排到「深水埗」創作,只帶了數具血淋淋的惡搞橡膠玩具,之後便溶入我們的本土社區,既鑽進舊攤檔、雜貨舖和二手店,又逛盡高登、黃金、鴨寮街高低新科技,拈來「現成物」(Found Objects)來個大拼湊,名為《The Tourist》(遊客),大抵是他個人寫照 — LED平幕作面孔,扶手梯成身軀,腳踏老番波鞋,戴上一頭長長假髮,配置水管射進水桶,活現一副麻甩模樣,亮點是裝上了CCTV監控器,令螢光幕顯現多角度自我反射,同時反映對四方八面環境步步為營的異鄉人心態。他的「Assemblage」(立體合成物) 融入了小科技精心策劃,而畫作看來更覺率性而為,在畫框左右兩角加上拜神用的燒香,令人會心微笑。(Workplace Gallery)前: Joel Kyack 《The Tourist》 2016 混合媒體後: 《Primitive Man Eating Dick》 2016 Acrylic on Canvas藝術家Joel Kyack與作品 《Primitive Man Eating Foot》 2016 Acrylic on CanvasJoel Kyack作品裝置現場印尼裔藝術家 TinTin Wulia 細看廢紙皮回收香港廢紙皮無處不在,收集紙皮後轉賣者多為低收入的人,原來亦有想多賺幾個錢寄回家鄉的菲傭姐姐。印尼矞藝術家TinTin原只是香港過客,因受Australia Council的資助來港作研究,替我們發掘了鮮為港人關注的紙皮回收過程,更透過藝術裝置訴說另一些過客的故事。她發現周日中區一帶,菲傭姐姐將紙皮轉賣之前,會將它砌成臨時庇身所,藝術家遂介入在紙皮畫上簡單圖案,廢紙皮即現出新姿采。現場裝置模擬紙皮吊運的過程,16捆紮好的舊紙皮各重350公斤,圍成圓形狀態,紙皮面有TinTin以墨水筆繪畫的美麗圖案。(Osage Gallery)現居澳洲的印尼藝術家TinTin WuliaTinTin Wulia《Five Tonnes of Homes and Other Understories》 2016混合媒體:金屬、紙、墨水無獨有偶,香港藝家程展緯 (Luke Ching) 作品《解款車》,同以收集紙皮為題,作品亦是 Found Object ,本屬於一位靠「執紙皮」為生的伯伯,把紙皮箱拆解後緊壓包紥好,正準備運送。作品顯示物盡其用,並在匱乏的生活空間中求存,概念性地反映藝術家對低下層社會的深層認識。(Gallery Exit)香港藝術家程展緯作品《解款車》2016註:Art Basel HK 2016 公眾開放日期: 3月24-26日,地點:香港會展中心。原文載於作者網誌 藝術

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楊福東《竹林七賢》@M+希克藏品展

楊福東《竹林七賢之三》把牛屠宰一幕。「藝術電影」是否你杯茶?沉悶、冗長、難明,加上定鏡、長鏡缺少視覺刺激,當真「難捱」!一般商業電影以「娛樂性」為主,也是所謂「夢工場」,進戲院之後便織夢,逃避一下。「藝術電影」則不以娛樂大眾為目的,反而以考驗及刺激藝術思維為前提 ,常見沒有演員、對白、劇情或故事性,覺「悶」是正常。《竹林七賢之三》2005介乎「敍事」與「非敍事」影像藝術家楊福東的《竹林七賢》的確有點不一樣,其風格介乎「敍事」與「非敍事」之間,畫面又有黑色電影(Film Noir) 的美感,看得令人舒服。「M+希克藏品展」選放的第三部分,是2005年作品,一開頭便見兩個農夫把一頭田裡的「水牛」屠殺,牛頭被割開,血滴在河水;往後又把紙製的「水牛」燒掉,象徵意義極堪細味。原片五部分拍攝由2003至2007歷時五年,共281分鐘,本章節長53分鐘,説長不算長,較諸Andy Warhol片長5小時21分 的 《睡眠》(1963),或是長達10天的芬蘭作品《Modern Times Forever》(2011)可說精短了。《竹林七賢之三》女角。反映中國當代知識分子 空虛迷失「竹林七賢」原是指魏晉時期(公元三世紀)七位棄官隱世、放浪不覊的名士。楊福東自言讀書時期便被這題案吸引,欲透過這個古代故事反思現世。片中的「七賢」是從城市來到鄉間遁世的5男2女,現場收音,沒有對白,每個畫面是一幕幕文人生活風景 — 下田、耕作、寫信、抽煙、發呆、脫衣,劇情有推展,結局時又回到開頭的殺牛情境,唯女角似決定離開。片子時空模糊,人物迷惘地徘徊於城市與鄉間,現實與夢境交織,總是像在找尋什麼,卻又沒有找著,「水牛」之死象徵對未來的恐懼與無奈,被認為反映中國2000年以來,在過度消費、以及享樂主義下年輕知識分子的精神面貌。《竹林七賢之三》激情一幕。楊福東以一貫的黑白片風格,增加距離感,讓人物與風景變得如立體化的山水畫,他在2011年12月來港作展時亦談到,拍《竹林七賢》時沒有特別劇本,即興隨心而為,像繪一幅幅山水畫,作品帶著濃厚古典詩意。五部分完成後隨即展出於2007年威尼斯雙年展,接著又成為2008年的愛丁保國際電影節的重頭戲。《竹林七賢之三》燒掉紙牛一幕。《竹林七賢之三》尾聲一幕。《竹林七賢之三》是香港首個「M+希克藏品展」80件展品之一(註),一時間沒有把其他部分一齊展出,令人難以一窺全豹。作為觀眾,如欲透過藝術家作品,瞭解及串連那年代中國社會40年發生之種種,頗有千頭萬緒之感,需從導賞資料多多學習了。不過,從楊福東個人的發展及際遇,反過來卻可看到2000年後中國當代藝術與國際舞台融合的軌跡。策展人皮力。也曾「不合作」/Fuck Off出生於1971年文革期、成長於90年代的楊福東,較諸五、六十年代出生的中國藝術家幸運之處,是在杭州美院讀大學時,已有機會正式學習西方藝術家如 Joseph Beuys 的作品,隨著中國2000年加入WTO,官方欲建立開放的形象,當代藝術變得開始「合法化」,藝術家獲展示的機會亦逐漸增多。相對於90年代,較前衛的藝術仍祗能以地下或臨時的形式展出。2000年官方主辦第三屆「上海雙年展」,艾未未籌策頗受爭議的「不合作方式」(Fuck Off)展覽作為抗衡,強調藝術家不與「官方」及「西方」合作的獨立精神,楊福東以攝影作品參與,是40多名現已知名的藝術家之一。2000年後不少藝術家欲從繪畫中轉向,一說原因是 「玩世現實主義」(Cynical Realism) 及 「政治波普」(Political Pop)已過份商業化,亦太注重西方口味。轉而選擇影像作為媒介的楊福東,首部作品在《陌生天堂》需在策展人的資助下於方能完成,得以順利參加2002年卡塞爾文獻展(Documenta 11,Kassel) ,令人刮目相看;次年作品還參加了威尼斯雙年展,此後國際藝術盛會及個展亦數不勝數,無論在國內抑或國際上均人氣甚高。有趣一提,片尾見楊福東嗚謝國內「錄像之父」張培力,除可見兩人交情,更重要是兩人在藝術界均從「地下」變成了「主流」,該是可喜的現象。(註: 楊福東《竹林七賢之三》乃M+藏品,非屬希克藏品;另《陌生天堂》是M+Screening 選映的節目之一。)楊福東(藝術家)網址:http://yangfudong.com/http://www.shanghartgallery.com/galleryarchive/artist.htm?artistId=37&section=bio展覽:M+希克藏品:中國當代藝術40年M+Sigg Collection: 4 Decades of Chinese Contemporary Arts 地點:香港英皇道979號太古坊康和大廈一樓 Artistree日期:23/2 – 5/4/2016時間:每日11a.m. – 8p.m. (Open Daily 11am – 8pm)(3月10, 15至7p.m., 4月5日至5p.m.)原文載於作者網誌 藝術

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張培力《水-辭海標準版》@M+希克藏品展

左起:策展人皮力、藝術家張培力、張曉剛、丁乙。假如說楊福東的多屏幕影像富有「敍事性」,「錄像之父」張培力可說是故意否定「敍事性」。張培力第一件的錄像作品《30X30》(1988) ,3 小時內不斷重複將鏡子打碎又縫合,目的就是要使人覺得枯燥、乏味、無聊,同時也在證明藝術不是工具,無需肩負任何政治目的,或探究什麼哲學理念,在當時中國高度集權及僵化的政治體制下,這種嚮往獨立自主的藝術精神堪稱前衛。在「M+希克藏品:中國當代藝術40年」展出的張培力繪畫《X?第四號》(1987),與此錄像意義相近。「畫一些什麼都不是的繪畫。」及「作品的過程比結果重要。」他在接受亞洲藝術協會訪問時說。《X? 第四號》1987「手套」系列 參加「89大展」他的「手套」系列的主體祗是平常物:一對清潔用的膠手套。單色調的畫法極其平實,祗需運用基本繪畫技巧便可,他連續畫了幾乎一模一樣的20多幅作為實驗,還寫了如何複製畫作的指南,創造出「理性繪畫」的實驗,並將行為過程結合於繪畫中;他將物體的訊息儘量簡約,其實是想將聯想的空間留給觀眾。不說不知,原來這畫曾展出於「89中國藝術現代大展」(簡稱89大展),此展象徵一群前術藝術家力圖與官方的中國美術館進行角力,為行為及裝置等前衛藝術爭取表達自由,89年2月5日開展,不消數小時便被關閉,也可說是「六四天安門事件」的前奏。行為及概念藝術先驅在另一件作品《褐皮書一號》(1988),他集合了Performance 與 Conceptual Art 的概念,再用「手套」與代表體制的「郵局」開玩笑,首先是擬定協議書,把載著「手套」的信件以隨機方式寄出,行為被拍成照片作紀錄,配合手套等成為裝置,可說是探討社會體制與個人關係的作品。《褐皮書一號》1988其實早於1986年,張培力便與耿建翌等14人在杭州建立藝術先驅組織「池社」,率先在公共空間表演行為藝術,兩人在洛陽以繩子捲著報紙包裹著頭和全身,欲引起公眾及藝術界的關注,本展亦特意將這對好友兩件「89大展」的作品放在一起。左:耿建翌《第二狀態》1987右:張培力《X?第四號》1987《水-辭海標準版》1993張培力的創意及突破性,在「85新潮」運動之後的中國當代藝術,極具標誌性,從繪畫、到行為藝術及錄像製作,都體現了他的創新觀念。今次「M+希克藏品」展覽中,最具看頭的莫如錄像作品《水-辭海標準版》(1991)。他模擬真實的新聞廣播場景,請來中央電視台新聞女主播邢質斌來朗讀「水」字在辭海字典中的注釋,愈是清晰精準的讀音,愈察覺內容空洞及虛假,暗暗反映藝術家對傳媒被嚴格監控的不滿。當然,該女主播也瞬即令人聯想起89年六四天安門事件,當天正是她宣報軍隊進場鎮壓。不少作品曾展出於「89大展」。關於M+希克藏品,我們一直最關注的,是言論自由、藝術表達的空間是否會收窄?牽涉敏感政治題材的作品是否可以順利展出?看完這一次展覽,總算鬆了一口氣。即使如此,作品及歷史如何被闡述,也是大家往後需要一起去關注的。張培力(藝術家)作品:http://www.aaa.org.hk/Collection/CollectionOnline/SpecialCollectionItem/6788展覽:M+希克藏品:中國當代藝術40年M+Sigg Collection: 4 Decades of Chinese Contemporary Arts地點:香港英皇道979號太古坊康和大廈一樓 Artistree日期:23/2 – 5/4/2016時間:每日11a.m. – 8p.m. (Open Daily 11am – 8pm)(3月10, 15至7p.m., 4月5日至5p.m.)原文載於作者網誌 藝術

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「京都藝術中心」茶室偶遇:三原聡一郎

「侘寂」之美的新演繹京都藝術中心的「明倫茶室」如常舖設榻榻米,中央牆上的『掛軸』一秒前還是空白一片,瞬間浮現一抹電光彩虹。這一刻,是午後1:30。『晴天之日約下午1時半,就是作品出現之時。』以上是該視覺藝術作品的描述,作者是三原聡一郎 (Mihara Soichiro)。「我把『這小東西』放在接收日光的位置,買來尚未書寫的空白『掛軸』,調教好位置,假若當日天氣明朗,便可以反射出彩虹。』Mihara 所指的『小東西』,其實是一具自製的電子日光感測器,貼上色彩過濾紙,便可將陽光七色投影到『掛軸』,成為了茶室的主體。『小東西』靜靜地放置於茶室窗戶一隅。彩虹投影: 浮現於日本茶室「在日本傳統茶室,必有一個「床の間」(とこのま 即 Tokonoma ) 的裝飾位置,那中央的「掛け軸」(かけじく 即 Kakejiku) 是整個茶室的重心,掛哪一幅字畫,插哪一支花,都很考究;會因應季節,以及款待客人的身份,作出不同的選擇。」活力十足的 Mihara 為讓我更明白他的意思,還用了紙筆畫起圖像,進一步解釋:「我選擇掛起空白的『掛軸』是靈機一觸,來到這茶室感受了一會,概念便形成。」大抵日本人自少受「侘寂」(わびさび即 Wabisabi) 美學薰陶,從概念上的「空白」、「孤寂」、「枯萎」、「無常」、「不完美」,到物體上的砂石、青苔、微生物、空氣等,均特別容易有所頓悟。藝術家三原聡一郎解說作品。這道彩虹投影,會隨著日光轉濃變淡,在剎那出現,又在剎那間淡出消失,讓『掛軸』回復空白;這不期然令人想起16世紀日本安土桃山時代的茶道大師及哲人「千利休」所說的,一生可能祗有一次難得的相聚緣份。「妳説得對,妳若來早一刻,或者來晚一點點,都遇不上彩虹投影,這就是いちえいちご『一期一會』。」才剛與Mihara 相識,想不到便談到人生的道理,感覺暢快。青苔球體: 疊席上的「枯山水」1980年生於東京,2006年畢業於岐阜的IAMAS(Institute of Advanced Media Arts & Science),Mihara 最愛以科學知識及小工具,配合大自然素材,創製出奇異詭秘的視覺藝術。茶室中除了彩虹投影掛軸,還有另外兩件作品:其一是四顆好像附有靈體的青苔球體,似靜卻動,每隔約數分鐘,便出其不意地在榻榻米上滾動,甚是奧妙。《青苔球體》2016「這些物體為何移動?是一個 Mystery,我也不知道究竟啊。」被派看守茶室的美智子必恭必敬地說。自言祗愛日本畫和佛像,對當代藝術一窺不通的美智子,是京都藝術中心所僱用的300多個長者義工之一,對於這些新一代的藝術品,好像也慢慢喜歡上來。青苔是日本「枯山水」庭園構成的重要元素,本來就是大自然中的微生物,移動生長本是尋常之事;Mihara 用青苔包裹輕身的碳纖維,把球狀的青苔由戶外庭園移放到茶室的榻榻米上,可說是別出心裁地,構成了煥然一新的視覺風景。由此可見,他的藝術看似無緣無故,無跡可尋,卻與天地及大自然互相呼應。微小生物 皆有生命力《微生物燃料電池》2016《微生物燃料電池》是放在「床の間」附近的另一件創作,暗示大自然物質持續轉化,也在讚頌天地間的微小生物,凡珍而重之,用得其所,都可為這宇宙「加油」。原來微生物產生的酸性物質,可變成能源,如太陽能一樣當作電池使用,讓玻璃瓶頂端的小燈泡亮起來,散發光源。Mihara 在展覽期間,不時視察微生物的生長情況,添加一點醋劑,看來藝術家的工作,就是如此:替你我拿起一面「放大鏡」發掘身邊未被察覺、尋常卻美妙的事物。將茶室當作Art Space,對於Mihara來說是頭一趟,這展覽亦是京都藝術中心15週年的一項重頭戲,希望吸引更多市民來參與及觀賞。自2011年起,Mihara便開始創作「空白項目」(Blank Projects),今次展覽是此項目的第三回,當時是回應東日本大地震及海嘯事件,今回心境逐漸回復平靜,改而強調和欣賞靜物的生命力和動態。島國漂浮,天災頻繁,人生無常,日本人體會甚深。也許「空白」才是持久的真相,當彩虹沒有出現之時,更能襯托出茶室的「和、敬、清、寂」,享受這種「空白」,把一切放下,也是對「禪」的一種體會。「空白」可能才是常態。京都藝術中心三原聡一郎(藝術家)網址:http://mhrs.jp/展覽:三原聡一郎展『空白に満ちた世界』Soichiro MIHARA Solo Exhibition “The world filled with blanks”地點:和室「明倫」KAC Art Festival Variety Box Exhibition京都芸術センター京都府京都市中京区室町通蛸薬師下る山伏山町546−2日期:7/2 – 6/3/2016原文載於作者網誌 藝術

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如剝洋蔥逐層拆解:打開《蒙娜麗莎》多個版本之謎

若然有機會到巴黎羅浮宮,當你穿過重重人群,站在《蒙娜麗莎》面前時,除了要細味畫中人的神秘微笑,不妨考考自己的洞察力,是否可以看到:一)她的眼睫毛及眉毛痕跡、二)她左肩膊上的披肩紋理、三)背景兩旁的圓柱。以上幾點近年成為分析《蒙娜麗莎》版本真偽所關注的要點。端倪何在?相信看完本文或會有答案。巴黎羅浮宮《蒙娜麗莎》名畫前總是人山人海。(BBC截圖)圖一:《蒙娜麗莎》年輕版。(BBC截圖)看過《蒙娜麗莎》的也知道,此幅500多年前的達文西 (Leonardo Da Vinci, 1452-1519)作品,確實比想像中細小。不過,這幅名畫何以在近百餘年來不時成為熱話?首先可追遡於1911年此畫突然神秘失蹤兩年一事,隨後出現了一幅被稱為 Isleworth Mona Lisa 的《蒙娜麗莎》(圖一),據說它由英國藏家Hugh Blaker於1914年購得,存於倫敦西 Isleworth 的畫室,因而得名。達文西曾畫過兩幅《蒙娜麗莎》的學說,因此甚囂塵上。有這個說法,亦是因為歷史文獻中所記載的1503年版本,與「羅浮宮版」(圖二)有不少出入,亦因此令不少人深信,現存世上除了一幅由贊助人 Giuliano de’ Medici 委托所畫、現存於羅浮宮的《蒙娜麗莎》外,還有另一張更早期由達文西或其助手繪畫的版本。圖二:《蒙娜麗莎》羅浮宮版。(BBC截圖)要知道達文西的畫作,一向沒有簽署及日期,令覬覦其價值連城的後人仿製、抄襲,不計其數。 究竟這幅 Isleworth Mona Lisa,簡稱《蒙娜麗莎》「年輕版」,是否達文西的真跡?而最近出現的「俄羅斯版」,由藏家從顯赫的美國家族獲得,現存於聖彼得堡,畫中人同樣陰陰冷笑,又孰真孰偽?Andrew Graham-Dixon (BBC截圖)英國星級藝評專家及「男神」Andrew Graham-Dixon 在最近的BBC Secrets of the Mona Lisa 一小時特輯中,以懸疑手法探索這件藝術品的真相,過程中走訪佛羅倫斯、巴黎、新加坡及聖彼得堡,找來達文西專家、歷史學家和科學鑑證專家,抽絲剝繭,憑史實考證及邏輯思維,破解謎團。相關的持份者,莫不在維護其版本的真實性及權威性,Andrew大膽提出疑問,不怕「得罪人」,此點尤其藉得多「讚」。訪尋 Mona Lisa 身世天才如達文西以「寸」見稱,況且他醉心天文、地理、解剖、科學發明等大事業,對繪畫不算熱衷,一生油畫鑑證屬實的亦僅15幅,為何願意為一位絲綢商人Franseco del Giocondo妻子作畫?Andrew追縱佛羅倫斯市內San Lorenzo 教堂的文獻,顯示該美貌的 Lisa Del Giocondo 夫人卒於1542年,還被風光大葬,足見晚年地位顯赫,但即使如此也不見得達文西會賣賬。在歷史學家Giuseppe Pallanti 的協助下,他發現原來商人丈夫與達文西的父親居於同一條街,且更是其父親的顧客,有說看在父親的情面,加上商人又哄又嚇之下,才肯首答應。「年輕版」疑點在面孔「羅浮宮版」作於1503至1517年,這是巴黎羅浮宮內的註明。不過正如前文所說,越來越多學者相信這並非文藝復興史家Giorgio Vasari (1511-1574) 所描述的版本,因為他在著作(註)中提到的圓柱背景,以及秀麗的眼睫毛及眉毛,都無法在「羅浮宮版」找到,反而與五官精緻的 「年輕版」較吻合。同時期的Raphael (1483-1520),曾短暫學藝於達文西工作室,亦留下了一張1504年的《蒙娜麗莎》掃描,畫中人髮造型亦神似年青的蒙娜麗莎。(圖三)圖三:Raphael的《蒙娜麗莎》掃描。(BBC截圖)圖四:John Asmus分析兩幅《蒙娜麗莎》的技法。(BBC截圖)2008年「年輕版」被瑞士背景的財團購得後,成立了非牟利的「蒙娜麗莎基金會」,順理成章是兩幅《蒙娜麗莎》學說的支持者。基金會在2012年特別聘請了美國加州大學學者John Asmus ,透過顏色分佈圖(Histogram)顯示,比較兩幅畫的渲染層次手法(Sfumato),發現相似度達99%(圖四);故「年輕版」乃達文西真跡的說法,獲得學者認授。圖五:面部範圍不見被驗證。(BBC截圖)不過,令Andrew大惑不解的,是他們竟然沒有在面孔範圍取出標本來驗證(圖五)。正如Andrew說:「情況仿如偵探來到謀殺案現場,竟然沒有為染血的刀柄檢取指紋。」暗示驗證方法有避重就輕之嫌。另外「年輕版」面孔充滿現代感,也與其他畫面格格不入。圖六:「俄羅斯版」現存於前KGB總部大廈。(BBC截圖)「俄羅斯版」為法國製的冒牌貨至於「俄羅斯版」(圖六),即使看來與「羅浮宮版」十分神似,畫中亦有圓柱作背景,不過一旦放於科學鑑證的顯微鏡下便無所遁形。他對意大利Bologna 大學Chiara Matteucci 博士提出的幾個疑點十分贊同。除了「俄羅斯版」所用的紅色底色,與達文西慣用的白色明顯不同外,最大的破綻,是畫中背景顏料所含的 Baritine 在1600年前根本尚未出現,且被確定是17世紀中葉法國獨有的原料,這個發現毫無疑問揭露了「俄羅斯版」的底牌。補充一說,「羅浮宮版」的《蒙娜麗莎》收藏於達文西家中,陪伴直至離世,文獻記載也肯定了是畫家真跡。「羅浮宮版」畫中人成謎接下來,Andrew又走訪近日焦點人物、法國鑑證科學家 Pascal Cotte。這位著名的蒙娜麗莎專家,曾被羅浮宮邀請考究原作顏色,他經過十年研究,利用多光譜攝影機,以及最新發明的「分層放大技術」(Layer Amplification Method),分拆出13個層次版本,發現在肖像下隱藏的影像,仿似Raphael 所繪的《蒙娜麗莎》掃描 (圖七);換言之,眾裡尋她的《蒙娜麗莎》年輕版,就埋藏在「羅浮宮版」之內。試想「羅浮宮版」畫中女子若非蒙娜麗莎,而是另有其人,那麼畫作大抵需要易名,也就此改寫了藝術史了。左為法國鑑證科學家Pascal Cotte。(BBC截圖)圖七:Pascal 打印出埋藏於「羅浮宮版」的數碼影像,與Raphael掃描相似。(BBC截圖)畫家與作品的懸疑關係,像剝洋蔥皮一樣,逐層逐層地揭開,扣人心弦;觀眾又該怎樣去理解箇中玄機?恐怕每人不同。坊間出現的不同版本,說出自達文西的助手或學生,絕非無稽,即使是達文西真跡,也有可能在背景部分有其他人參與。假如説畫家在「年輕版」被商人拿走後,憑記憶畫新一張,大抵也有可能。另一個解讀是他對於初畫的《蒙娜麗莎》不滿意,改了又改,最終把畫據為己有,留給自己孤芳自賞自娛。另外,畫家在畫板上起不同草稿,又何怪之有?至於畫中女子是商人妻子 ?贊助人的情人?還是另有其人?始終是一個各說各有理的世紀疑團。可能正如Andrew最後提出的詮釋,達文西已將畫中人昇華為超然眾生的完美化身,她肩上的衣紋層次飄逸如希臘女神,與山河背景融為一體,咀角泛出莫測高深的輕蔑一笑,似寄語我們浮生乃怱怱一瞥,盼好珍重。註: Vasari 著作名為Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors and Architects, from Cimabue to Our Times, 意大利文於1550年出版,英文版於1908年面世。(後記:法國鑑鐙科學家Pascal Cotte 對達文西《蒙娜麗莎》作品的科學剖析,現正展出於「Da Vinci – The Genius」(天才達芬奇世界巡廻展),上海展日期: 2015年12月8日至2016年4月7 日,地點:上海虹橋天地演藝中心。)原文載於作者網誌 藝術

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